Большая выставка Школы дизайна НИУ ВШЭ
12 декабря 2025 — 1 февраля 2026
Большая выставка «Великий беспорядок» представлена сразу на двух площадках — в ЦСИ «Винзавод» и Фонде культуры «ЕКАТЕРИНА». Проект посвящён осмыслению хаоса как естественного состояния современного мира и точки для переосмысления происходящего.
Открытый формат и международный масштаб
Большая выставка проводится ежегодно с 2021 года, но в этот раз формат изменился: open call был открыт для всех желающих. Кураторы получили более 700 заявок и отобрали свыше 120 участников — от начинающих авторов до известных художников, включая двух участников из Китая. Возраст, опыт и происхождение перестали играть ключевую роль — важным стал только художественный высказывание.
«Мы смотрим на современное искусство без привязки к статусу и биографии художника», — отмечают кураторы проекта.
Тема, объединяющая разные практики
По словам Александры Кузнецовой, куратора выставки и руководителя направления «Современное искусство» Школы дизайна НИУ ВШЭ, для проекта была выбрана масштабная и универсальная тема, к которой могут обратиться художники, дизайнеры и авторы из разных медиа.
Куратор направления «Видеоарт» Маша Данцис подчёркивает: беспорядок здесь рассматривается не как разрушение, а как процесс новой сборки и поиска смысла.
«Через беспорядок мы упорядочиваем себя», — объясняет она.
Экспозиция и структура выставки
Экспозиция в Фонде культуры «ЕКАТЕРИНА» выстроена по тематическим залам и включает девять смысловых разделов. Пространство ЦСИ «Винзавод» стало своеобразным прологом — здесь собраны работы, отражающие личные переживания и способы адаптации к нестабильной реальности.
Работы участников
Среди участников — студенты Школы дизайна НИУ ВШЭ, представившие яркие авторские высказывания:
- Дарья Лапшинова в проекте «Астры, гимнастика, магия» показывает абсурдность попыток рационально упорядочить сложный мир через схемы и коллажи.
- Зармина Куропатова в инсталляции «Тупик» использует анаморфозу, демонстрируя хрупкий баланс между хаосом и порядком, проявляющийся лишь с определённой точки зрения.
- Анастасия Янсон представила интерактивную инсталляцию «Хаус оф Хаос», где зритель сам запускает движение и нестабильность объекта, разрушая образ дома как безопасного пространства.
Пространство диалога
Большая выставка стала площадкой для диалога художников разных поколений и направлений. Проект предлагает взглянуть на хаос не как на угрозу, а как на живой процесс, через который рождаются новые смыслы и формы восприятия мира.
ГРАФИК РАБОТЫ: Понедельник — Пятница с 10.00 до 18.00
Адрес: г. Москва, ул. Кузнецкий мост, д. 21/5, подъезд № 8, вход с улицы Большая Лубянка
«Переживание радости»: персональная выставка Марины Бессоновой в Фонде RUARTS
23 января — 8 марта 2026, Москва
23 января откроется персональная выставка Марины Бессоновой «Переживание радости». В своих работах художница обращается к фарфору, исследуя радость как базовое человеческое чувство — тонкое и уязвимое, но при этом вне времени. В основе проекта лежит диалог между хрупкостью материала и ощущением вечности.
Ключевым образом экспозиции становится птица — символ «чистой формы», объединяющий мотивы народной культуры и язык высокого искусства. Здесь сказочный образ перестаёт быть цитатой и обретает самостоятельное звучание в формате современной скульптуры.
Марина Бессонова работает с керамикой и бисквитным фарфором, переосмысливая сюжеты русских сказок через призму пластики и формы. В её художественном языке сочетаются элементы модернизма, отсылки к африканскому и античному искусству, а также традиции европейской керамической школы.
Как отмечает галерея, этот проект — своего рода «украшение» для эпохи минимализма, где выразительность рождается не из декоративной избыточности, а из фактуры и света. За столом, который предлагает художница, подают не предметы, а состояния — тишину, созерцание, гармонию и радость, возникающие на границе пустоты и наполненности.
Адрес: Фонд Ruarts. г. Москва, Трубниковский пер., 6
«Время и пространство». Диалог культур в живописи Му Кэ
23 декабря 2025 — 22 марта 2026, Москва
Московский музей современного искусства совместно с Международным художественным институтом при Харбинском педагогическом университете представляет выставку современного китайского художника Му Кэ. Проект под названием «Время и пространство» посвящён живописи как инструменту осмысления течения времени, природы пространства и взаимодействия двух культурных традиций — восточной и европейской.
Художественный метод и культурный синтез
Му Кэ получил академическое художественное образование в Китае, а затем продолжил обучение в МГАХИ имени В. И. Сурикова. Этот опыт сформировал его индивидуальный метод, основанный на созерцании и вдумчивом исследовании окружающего мира через цвет, форму и ритм.
Объединяя российскую и китайскую художественные системы, художник выстраивает собственный визуальный язык. В нём философия восточного равновесия органично сочетается с европейской школой композиции и работы с цветом, создавая устойчивую и цельную художественную структуру.
Пейзаж как пространство размышления
В живописи Му Кэ природные мотивы переплетаются с элементами абстракции. Пейзаж перестаёт быть просто изображением среды и превращается в поле для размышлений о времени, пространстве и внутреннем состоянии человека.
Его полотна работают как форма медитации — попытка зафиксировать движение мира, находящееся за пределами прямого взгляда. Художник последовательно исследует выразительные возможности цвета и ритма, стремясь к философской ясности и эмоциональной глубине.
Контекст современной китайской живописи
Экспозиция дополнена произведениями преподавателей Международного художественного института при Харбинском педагогическом университете, директором которого является Му Кэ. Работы этих художников отражают широкий спектр направлений современного китайского искусства.
В их практике традиционные принципы китайской живописи получают развитие в контексте актуальных художественных процессов. Среди ключевых тем — социальные изменения, труд, духовные поиски, а также диалог между прошлым и настоящим.
Пространство художественного диалога
В выставку включены произведения из коллекции ММОМА, которые вступают в интонационный и визуальный диалог с работами китайских авторов. Произведения Ивана Чуйкова, Татьяны Назаренко, Николая Андронова, Филиппа Донцова, Бориса Михайлова и других художников усиливают идею взаимодействия разных художественных систем и культурных оптик.
Экспозиция формирует цельное пространство обмена смыслами, где живопись становится универсальным языком, соединяющим традиции, эпохи и взгляды на мир.
ГРАФИК РАБОТЫ: Вторник — Воскресенье с 12.00 до 21.00
Адрес: г. Москва, ул. Петровка 25
DOLL'S DREAM / НА ПЛЕЧАХ СЛЕПЫХ ГИГНАТОВ
20 января — 26 февраля 2026, Москва
КУРАТОР: ИЛЬЯ КРОНЧЕВ-ИВАНОВ
…только белый шум растворяется среди искажённых сигналов и зачумлённых картинок. поломанный мир отражается в кривом зеркале, растёт, словно опухоль, заполняя собой пространство. у нас есть всё, что нужно, чтобы существовать. что значит существовать? я стою на плечах слепых гигантов и вижу дальше, чем они. моя мечта — стать выше, чем они. я повторяю жесты, имитирую процессы, воспроизводя язык искусства, который больше никому не принадлежит.… © DOLL
Кукла как тревожная форма между жизнью и неживым
Могут ли куклы стремиться к персональным выставкам? Этот вопрос отсылает к одному из устойчивых и тревожных культурных мотивов — страху перед куклой как пограничным существом, находящимся между живым и неживым. Она вызывает беспокойство не тогда, когда явно лишена жизни, и не тогда, когда полностью копирует человека, а в момент неопределённости, когда невозможно точно определить её статус.
По мысли Юрия Лотмана, подобный эффект уходит корнями в глубинные мифологические структуры культуры. Истории оживающих статуй, двойников, теней, отражений и автоматов регулярно возвращаются как вариации одного и того же сюжета — вытеснения живого мёртвым, подмены подлинного симуляцией.
Автомат как образ псевдожизни
С приходом машины в качестве доминирующей социальной силы эта мифология получает новое прочтение. Автомат становится фигурой псевдожизни — деятельной, эффективной, но лишённой субъективности. Именно в этой зоне пересечения знакомого и чуждого возникает то, что Фрейд определял как «жуткое»: не пугающе иное, а тревожно узнаваемое.
Кукла тревожит потому, что напоминает о возможности замещения — о воспроизводимости человеческого, о том, что его можно скопировать, сымитировать и подменить внешне без утраты функциональности.
Кукла как двойник художественной институции
Проект Алексея Громова сталкивает зрителя с подобным «жутким» двойником, но уже не человека, а институциональной реальности современного искусства, где авторство всё чаще действует как отлаженный механизм культурной индустрии. Перед нами персональная выставка, разыгрываемая куклой, в которой демонстрируется не столько художественное высказывание, сколько его автоматизированная форма.
Образ куклы здесь становится культурной моделью, позволяющей говорить о самом устройстве художественного производства. Громов конструирует выставочное пространство как театрализованную игру, воспроизводя формат ретроспективной экспозиции и указывая на ситуацию, при которой художественная система способна функционировать без живого субъекта — или при его имитации.
Изображение изображения
Особенность куклы как художественного объекта заключается в том, что она всегда воспринимается в соотнесении с живым человеком, а выставка куклы — на фоне выставок живых художников. Если человек исполняет роль художника, то кукла играет роль человека, исполняющего эту роль. Она становится изображением изображения, вторичным отражением уже условной позиции.
Эта поэтика удвоения обнажает условность самого художественного языка, превращая его в объект репрезентации. Поэтому кукольная выставка одновременно выглядит ироничной и пародийной, но при этом сохраняет стремление к стилизации и эксперименту.
Витрина позднего капитализма
Кукольная выставка также выявляет тяготение искусства к витринности, характерное для логики позднего капитализма и культурной индустрии. В понимании Хоркхаймера и Адорно индивидуальность в таких условиях становится серийной, а авторство — функцией воспроизводства.
Художественная форма сохраняется, но наполняется автоматизмом: различия присутствуют, однако носят преимущественно декоративный характер, а уникальность производится по заранее заданному шаблону. Кукольная выставка доводит эту логику до предельной наглядности, делая её не просто темой, но и формой высказывания.
ГРАФИК РАБОТЫ: Вторник — Воскресенье с 12.00 до 20.00 (вход свободный)
Адрес: г. Москва, 4-й Сыромятнический пер. 1/8, стр. 9, Подъезд Н8
ВЫСТАВКА MYTH.UNLIMITED
23 января — 9 апреля 2026, Москва
ЭКСПОЗИЦИЯ, РАЗВОРАЧИВАЮЩАЯСЯ НА ТРЕХ ЭТАЖАХ MASTERS: DOM, ОБЪЕДИНИТ РАБОТЫ ТРИНАДЦАТИ ХУДОЖНИКОВ MYTH GALLERY, СОБРАВ КАК НОВЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ, СОЗДАННЫЕ СПЕЦИАЛЬНО ДЛЯ ПРОЕКТА, ТАК И ДЕМОНСТРИРОВАВШИЕСЯ РАНЕЕ ЛИШЬ ЭПИЗОДИЧЕСКИ.
Художники: Анна Афонина, Людмила Баронина, Алина Глазун, Катя Исаева, Петр Кирюша, Ирина Корина, Вадим Михайлов, Ульяна Подкорытова, ПРОВМЫЗА, Александр Седельников, Никита Селезнев, Милена Стрелкова, Егор Федоричев.
MYTH.Unlimited: миф как процесс и открытая система
23 января галерея MYTH совместно с образовательным проектом masters представят масштабную групповую выставку MYTH.Unlimited в пространстве masters: dom. Этот проект станет вторым, реализованным в стенах площадки, и первым внешним кураторским высказыванием.
Экспозиция развернётся на трёх этажах и объединит работы тринадцати художников MYTH Gallery — как новые произведения, созданные специально для выставки, так и работы, ранее показанные лишь фрагментарно.
Миф без финальной версии
В основе выставки лежит идея мифа как неокончательной и постоянно изменяющейся формы. В гуманитарном знании миф понимается не как зафиксированный нарратив, а как живой процесс — система повторений, смещений и пересборок, напрямую зависящая от контекста.
С этой точки зрения миф не пересказывается, а каждый раз заново производится, меняя смысловые акценты и формы в зависимости от ситуации и среды.
Поле пересечений и смысловых траекторий
Работы, представленные на выставке, как и художественные практики авторов галереи MYTH, не выстраивают иерархии или закрытой типологии, но скорее намечают ряд устойчивых направлений.
ГРАФИК РАБОТЫ: с 10.00 до 22.00 (вход свободный)
Адрес: г. Москва, Софийская набережная, 34, ст. 5, DOM: большой зал, 1 этаж
Тени гор в лунном свете»: выставка Рё Ватанабэ и Ивана Белова в галерее ULM
14 января — 14 марта 2026, Москва
Диалог формы и образа
Экспозиция выстраивается вокруг художественных практик Рё Ватанабэ и Ивана Белова. В центре внимания — исследование того, как образ трансформируется в форму и какие пути этот процесс может принимать.
В скульптуре Ватанабэ движение очевидно: он исходит из наблюдаемого природного мотива и последовательно приводит его к обобщённой, очищенной форме. У Белова же форма возникает автономно — без опоры на конкретный визуальный источник, оставаясь в пространстве абстрактного и беспредметного.
Присутствие и исчезновение как единый процесс
В данном контексте категории присутствия и отсутствия не противостоят друг другу, а образуют непрерывную динамику появления и растворения. Скульптуры Ватанабэ создаются из вручную обработанных и спаянных металлических листов и по своим очертаниям отсылают к природным ландшафтам префектуры Нагано — горным грядам, каменным массам, равнинным линиям.
«Железо — материал одновременно хрупкий и устойчивый, который со временем неизбежно возвращается в землю», — так художник объясняет свой выбор.
Несмотря на рукотворное происхождение, эти объекты остаются связанными с природой. Работая с ландшафтом как источником, Ватанабэ редуцирует и упрощает формы, выстраивая собственный визуальный язык. В серии Silent pieces он использует характерный приём — помещает внутрь полых металлических форм камни и песок. Через сочетание безмолвной материи и возникающего звука художник фиксирует переходное состояние, позволяя зрителю буквально прочувствовать тишину.
Форма как ощущение
Практика Ивана Белова развивается по иному принципу. В его графике отсутствует исходный изобразительный мотив — форма проявляется как след или тень, понятная интуитивно, но не связанная с конкретным образом. Такой метод рождается из интереса к мимолётным, неустойчивым состояниям восприятия и из стремления разобрать смысл на части, чтобы затем собрать его заново.
Эта логика получила развитие в серии, созданной в мастерской Эдуарда Штейнберга в Тарусе. Заштрихованное карандашом поле становится самостоятельным образом — фиксацией процесса нахождения в моменте, в состоянии «здесь и сейчас». В новой серии художник продолжает это исследование: линия превращается в маршрут, вектор мысли и одновременно способ удержать неосязаемое.
Общий метод — разные траектории
Несмотря на внешнюю сдержанность и минимализм, художественные языки Ватанабэ и Белова формируются под влиянием разных культурных кодов. Их практики сближаются не в исходных точках, а в методе работы — сложном, протяжённом во времени и требующем предельной концентрации.
Оба художника работают с повторяемыми действиями, воспринимая процесс как форму медитации и как точный технический расчёт. При визуальной близости их произведения проходят разные внутренние маршруты:
— у Белова — аналитический поиск равновесия в беспредметном,
— у Ватанабэ — поэтическое созерцание природного ландшафта.
Адрес: г. Москва, Гостиный двор, ул. Варварка, д. 3
Блог
Ключевые выставки интерьеров и дизайна в Москве в 2026 году
Зачем дизайнеру интерьера нужна фотосъёмка
Как дизайнеру интерьера опубликовать свой проект в журнале
